音の日

好きな音楽、その他趣味のこと

キャメロット『Forever』

今日はKamelot『Forever』について。


アルバム「Karma」収録。

この曲は、アメリカのヘヴィメタルバンドKamelotが2001年に発表したパワーメタルです。


アメリカン+北欧感がかっこいい曲。

L.A.メタルらしいノリやすいミドルテンポに、北ヨーロッパ特有のクラシカルなメロディが濃厚に融け合い、それでいて成立しているところが粋です。

北欧感、と言っても単なるパワーメタルでもなく、たとえばラプソディ・オブ・ファイアにも通じるミュージカル要素があるところが印象的。

さりげなくグリーグの超名作「ペール・ギュント」のオマージュと思われるフレーズが組み込まれていて、遊び心も感じさせます。


この作品の華は、なんと言ってもトーマス・ヤングブラッド(Gt)の奏でるソロ。

実際はかなりの速弾きもこなせるギタリストなのですが、本作ではあえてそれを抑えて、迫力よりメロディアスさに重きを置いたエレガントなプレイになっています。

よくギタリストをのプレイを「叫ぶギター」と「語るギター」の2つに分ける言い方がありますが、この『Forever』での彼のプレイはいわゆる「語る」演奏。

歌詞が亡き恋人を偲ぶ内容ですが、まるで歌うようなギターで思いきりメランコリックな感情を表現しています。

他のパワメタバンドならストリングスで鳴らしそうな流麗さ重視のメロディを、あえてギターで奏でるところが面白いですよね。


また、もう1つ素晴らしいのがボーカル。

ロイ・カーン(Vo)の太く厚みにある声に、聴き手の心の芯にズシりと響かせるパワーがあります。

パワーメタルはアングラやハロウィンの影響か高音域中心のイメージがありますが、本作は中音域主体。

爆発するような感情を表現するハイトーンも良いですが、たとえばロニー・ジェイムス・ディオが高音より中音域を多用していたように、楚楚とした中音もメタルの荘厳さを魅せてくれますよね。

ボーカルのメロディ自体が日本的なので、「歌モノ」好きなリスナーの耳にも馴染むのではないでしょうか。


キャッチーなのに、リスナーに媚びない上品さがある曲を聴いてみてください。



それでは。





ドリーム・シアター『Learning to Live』

今日はDream Theater『Learning to Live』について。


アルバム「Images & Words」収録。

この曲はアメリカのHR/HMバンドDream Theaterが1992年に発表したプログレッシブ・メタルです。


演奏時間11分強の、いわゆる大作曲。

収録アルバムである「Images & Words」の中でも最長のプレイ時間をほこります。

そのプレイ時間の中でもドリーム・シアター名物の変拍子を連発。

その変化の連続ぶりはファンからも「起承転結というより、転転転結」と評される程。笑

リスナーに長い演奏時間でも飽きる事のない、音楽での宇宙旅行を体験させてくれる作品です。

個人的に惹き付けられるのは、ジョン・マイアング(Ba)のベースプレイ。

単純に使用されているテクニックでは、ジョンがこの曲より複雑な技巧を使っている曲はあるのですが、メロディラインが美しく、良い意味でリズム隊らしくない美旋律で楽曲の土台を支えています。

この辺りはプログレ的強さですよね。


特にラスト付近のベースソロパートは壮観。

1音1音からメッセージのようなものを感じる程にリリカルな粒だちで、直後のラストパートを最大限まで盛り上げる前フリを演出。

ジョン・ペトルーシ(Gt)、ケヴィン・ムーア(Key) のプレイも華があって魅力的ですが、それに負けない位にこの曲では、ベースがヒーローポジションだと思います。

もちろんそれにピッタリと合わせるマイク・ポートノイ(Ds)のリズムマシーン並のテンポキープ力も見事。

精密でメロディックなリズムが光っています。


ちなみに作詞担当もジョン・マイアング。

ドリーム・シアターの楽曲の大半の作詞はペトルーシかムーアが担当しているイメージですが、本作では彼が担当。

「昔は僕は愛を求めた」
「今は“生”を求めている」

ペトルーシ、ムーアの綴る詞も理知的で高い思考力を感じさせますが、マイアングの綴る詞はそれとは少し質が違う、彼なりの人生への哲学が描かれたもの。

タイトルの『Learning to Live』(僕は生き方を学んでいる)通り、劇的な楽曲に相応しい、深みを感じさせる内容ではないでしょうか。

声色の変化が得意なジェイムズ・ラブリエ(Vo)がこれを歌う事で、豊潤なストーリー性を演出。

テクニックだけじゃなく血の通った、少し悲痛で、強い温かさを感じるプログレ作品だと思います。


ロジカルなのに、人間味に溢れた曲を聴いてみてください。



それでは。





サイモン&ガーファンクル『The Sound of Silence』

今日はサイモン&ガーファンクル『The Sound of Silence』について。


この曲はアメリカのポップスデュオ、サイモン&ガーファンクルが1966年にリリースしたポップバラードです。

映画「The Graduate(卒業)」の挿入歌としても有名。

マリー・ラフォレ、リチャード・アンソニーカーメン・マクレエ、クミコ、ディスターブド …など数々の著名アーティストにカバーされている事でも知られています。



儚げなようで、芯が太い曲。

ポール・サイモン(Vo.Gt)の奏でるフォークギターの音色が、まるで葬式に流せそうなほど穏和で痛切。

けれどサウンドは空しげでも、メロディ、そして歌声に強さ、僅かですが明るさのようなものが感じられ、そのぼんやりとした脆さと綺麗なバランスがとれています。


この曲で印象的なのは歌詞。

「一万、おそらくそれ以上の 話さずに語らう人々」
「聴くことなく聞いている人々」


「「馬鹿」と僕は言った」
「「君たちは本当に知らない癌のような沈黙が育っていることを」」
「僕が諭す言葉を聞いてくれ 僕が差し出した腕を掴んでくれ」
「でも、僕の沈黙の雨粒のような言葉は落ちて、
その沈黙の井戸に、こだました」


社会には様々な重い課題がひしめいている。
それにも関わらずそれに当たり前のように見ないふりをし、「沈黙」する人達への憂いが表現されています。

本作がリリースされた直前のアメリカでは、北ベトナムを北爆、更にたった2年前ではジョン・F・ケネディの暗殺事件など、国家規模で大きな波乱が巻き起こっていた時期。

作詞者のサイモンがそれらを意識して書いたのかは定かではありませんが、そういう社会全体で「その事とどう向き合うか」を考えなきゃならないような事でも、実際にそれと向き合って意見を述べる人は少ないよね、という悲しい独白ともとれる歌詞です。

こういういわゆる「社会派」的な歌詞は、例えばU2「Bloody Sunday(血の日曜日)」のようにリアルな描写が通例なイメージがあります。

しかし本作のソレは、何の問題を指しているのかはあえて語らず、あくまでその問題を「見て見ぬふりをする民衆」側に対する想いが綴られている、おそらく珍しいタイプの楽曲ではないでしょうか。

サイモン自身はこの曲の歌詞に「それほど深い意味はないよ」と語っていますが、読み手側からすれば何かを考えずにはいられない、引き寄せられるものがある歌詞。

陽炎のように、ふわふわしていてそれでいて脳裏に焼きつく鋭さを兼ね備えた作品だと思います。


「無視」を悲しむ想いが、込められた曲を聴いてみてください。



それでは。






ヴィドール『人魚』

今日はヴィドール『人魚』を聴いた感想を。


アルバム「ロマネスクゴシック」収録。

この曲は日本のロックバンド、ヴィドールが2004年に発表したロックチューンです。


メロウ+疾走系ナンバー。

アップテンポのビートにのる日本的な歌メロを絡ませる構成は、15年前の曲ですが、「現代的V系ソング」の型を綺麗になぞっています。

前述の通りテンポは速いのですが、その割にはボーカルメロディはややゆったりで、声を伸ばすパートも多くジュイ(Vo)特有の独特なビブラートが強調されているところが特徴的。


本作で特に良いと思うのはリズム隊。

手数多めなテロ(Ds.Pi)のドラミングもさることながら、ある種仕事人的なラメ(Ba)のベースプレイがかっこいいです。

音数もある程度多いですが、一般のJ-Rock曲と比較すると音色がかなり太くて、ドシッとした存在感があるんですよね。

特に好きなのは自己主張が強くパワーのあるプレイなのに、それでいてちゃんと「リズムを支えている」というところ。

目立つタイプのベースプレイヤーの中には、たまに速弾きを多様し過ぎたり、やたら高音域ばかり強調し過ぎて、かえって作品内でのグルーヴを損なうような演奏をする人もいます。

しかしラメのベースは、アクティブながらもしっかり他パートとの「折り合い」を重視しているところが、ストイックというか男前なんですよね。

例えば邦ロックのベースヒーローのLuna SeaのJ。

Jのベースプレイが特に冴え渡っている事で有名な作品に「ROSIER」がありますが、この「人魚」でのラメのベースも基本のルートを大きく外れていない、「パワフルなんだけど、あくまでグルーヴを最優先に」な部分が「ROSIER」に通じるところがあると思います。

ラメがJの影響を受けているのかは知りませんが、V系創世記のバンドのかっこいい部分を、スマートに熱く受け継いでいるのが本作の味。

親しみやすいメロディなのに裏にしっかりキッチリとした厚みがある、密度の濃い作品ではないでしょうか。

軽やかさの中に隠された、大人びた重さを楽しんでみてください。



それでは。





ガンマ・レイ『Man On A Mission』

Gamma Ray『Man On A Mission』


アルバム「Land of the Free」収録。

この曲は、ドイツのヘヴィメタルバンドGamma Rayが1995年に発表したパワーメタルです。


ガンマ・レイ曲の中で、最もパワーメタルらしい曲。

激速の中にある高級感の溢れるクラシカルパートは「ザ・ジャーマンメタル」の名に相応しい威厳をほこります。

前述の通りかなりのスピーディーな作品ですが、うるさくはありません。

むしろ中間部分に配置されたリズムダウン+聖歌隊のような合唱パートなどの導入の効果で、圧力よりは情感の方が強調されているように感じます。

こういうロック+濃いめのオペラな構成は、映画の効果で少し前に日本でも話題になった、クイーンの 「ボヘミアン・ラプソディ」を連想。


歌劇のような曲展開もさることながら、個人的に好きなのはカイ・ハンセン(Vo)のボーカルプレイ。

高音でハスキーになるところ、途中の静寂パートでのウィスパーボイスなど、本当に色とりどりの声色の使い分けを楽しむ事ができます。

極めつけはサビでのベルカント発声。

一般にメタル曲のサビでのボーカルは声域の限界近くまで声を張り上げるイメージですが、あえてなのか本作のサビはしなやかな中音域主体。

なんというか、解りやすく「カイ・ハンセンの歌声」っぽさが前面に出ていて渋みがあるんですよね。

サビではあえて叫ばず、伸びやかに歌う展開は後のアングラの「Nova Era」を彷彿とさせます。

多くのガンマ・レイファンから「Somewhere Out In Space」と並ぶガンマ・レイの代表曲と評される作品ですが、それに相応しい超ハイクオリティ+オリジナリティを感じさせてくれる楽曲です。


一見オーソドックスなジャーマンメタルなようでガンマ・レイらしさ、そしてカイ・ハンセンらしさがつまった曲を聴いてみてください。



それでは。






B'z『ミエナイチカラ 〜INVISIBLE ONE〜』

今日はB'z『ミエナイチカラ 〜INVISIBLE ONE〜』について。


この曲は、日本のロックユニットB'zが1996年にリリースしたロックバラードです。



置鮎龍太郎藤田淑子笠原留美が声優として出演した事でも知られるアニメ「地獄先生ぬ~べ~」のEDテーマだった事でも有名。

平穏ながらどこか厚みのある曲。

LOVE PHANTOMのシングルリリースの後に発表された作品ですが、作曲者の松本孝弘(Gt)いわく

「派手なイメージが付いた「LOVE PHANTOM」の次のシングルということは意識して製作に入った」。

確かに起承転結の波が激しい「LOVE PHANTOM」と比較するとやや中性的で、どちらというとむしろ「Brotherhood」のような純朴系の魅力をはなっているように感じます。


個人的にこの曲の要は青山純(Ds)のドラム。

あの山下達郎MISIAライブサポートも勤めた一流のプレイヤーなのですが、良い意味でバラード曲らしくない、骨太でパワフルな音で演奏しているんですよね。

本作が「ロックバラード感」が強いのは、テクニカルな松本孝弘(Gt)のギターソロも理由の1つでしょうが、彼の奏でるぶ暑くて情熱的なサウンドも重大な要因の1つだと思います。


元々作品自体、

「ミエナイチカラが 僕を今動かしている」
「 その気になればいいよ 未来はそんなには暗くない」

と、「基本的に人が心配してるほど、実際の未来は嫌な事ばかり起こらない」という前向きな世界観の楽曲ですが、まるで青山純の発する音の1発1発がその強く爽快な感情を表しているかのようです。

B'z楽曲でありながら稲葉、松本だけじゃなくバックの演奏にも味がある曲ではないでしょうか。


音色もさることながら、展開的にもさすがのB'zクオリティ。

イントロの時点では松本孝弘明石昌夫(Ba)の弦楽器隊の高速プレイから始まり、ややハードロックテイストが漂うのですが、その後の稲葉浩志(Vo)のボーカルが入るAメロ部分は緩やかに。

そしてサビに入ると突如転調に入り、リスナーに浮遊感を感じさせます。

稲葉の歌声もかなりの高音なのに、あまり張り叫ぶ感じにもならず、むしろしっとりとして温か。

このコンパクトな演奏時間によくこれだけ沢山の要素を、違和感なく詰め込めるなぁと思います。

この平和的な歌声と重量感のあるバック演奏の化学反応こそ本作の真骨頂。

ロックテイストなのに「癒し」に溢れる曲です。

優しいのに火の玉のようなパワーを感じさせるバラードを聴いてみてください。



それでは。




MY FIRST STORY『不可逆リプレイス』

今日はMY FIRST STORY『不可逆リプレイス』を聴いた感想を。

この曲は、日本のロックバンドMY FIRST STORYが2014年にリリースしたオルタナティブ・ロックです。


宮野真守梶裕貴水樹奈々が声優として出演している事でも話題になったアニメ「信長協奏曲」の主題歌としても有名。


大嵐のように、様々な展開で攻めこんでくる曲。

ドラマ性という尺度において、MY FIRST STORY作品の中で随一の多様さを持っています。


イントロの時点で非常にユニークで、ロック曲には珍しい3部構成。

大抵は1~2部で程々に終わらせて、すぐに歌に入る、という流れが一般的な流れ。

ですが本作は、出だしの段階でじっくり時間をかけて聴き手を引き込んでいきます。


入りの一部はミステリアス系。

ストリングスを主体とした、ひんやりとした神秘的な佇まい。

洋楽のパワーメタル曲のイントロを連想させます。


そして次の2部ではバンド演奏が開始。

リズム隊が奏でるエネルギッシュなビートに、ハーモニクス奏法を主体としたギターがのる、という贅沢な構造です。

この辺りから加速感を発揮。


更に3部ではギターソロパート。

ハードロック的なソロなのですが、少し影があるメロディ。

まるで、これから始まる歌の本質の前フリをしてくれているかのようです。

これだけ沢山の要素を詰め込みまくって、まだイントロが終わっただけ、というところが面白いですよね。


ここからのHiro(Vo)の歌が始まりますが、それがとても味のある中性ボイス。

はじめて聴いた時、一瞬男なのか女なのかわからなかったほど。笑

透き通りながらも歪みのかかったヘッドボイスで、トータルの声域は3オクターブにまで達する勢い。

この曲がロックでありながらも、どこかメタルチックな香りを漂わせるのはHiroの要素も大きい気がします。

かかったリバーブが声の存在感を更に強めているところが特徴的。

彼の声は音域や歌唱法も魅力的ですが、大胆な感情表現も凄い。

作品自体も押して引いて、引いてはまた押しを繰り返す抑揚の強いものですが、それに合わせて強弱を変え、エキサイティングに声の色合いまで変化させる彼の表現力も本作の最高の聴きどころの1つです。

元々彼自身、実は父親はあの森進一、母親は森昌子

しかも2人いる兄のうち、ひとりは元NEWS・現ONE OK ROCKのTaka、という超がつく音楽サラブレッドなんですよね。

歌手の両親と兄に囲まれて、音楽的感性が養われたのかHiro自身の生来的なセンスなのかは解りませんが、この『不可逆リプレイス』の激情的の感情剥き出しな作風にこの上なくフィットした歌声ではないでしょうか。

「絶対的「僕」の存在は 形を変え今響き渡る」

独特な言葉選びで難解な歌詞と、ハッキリして解りやすい歌唱表現のコントラストも本作の美点の1つ。

野性的なドライブ感と理知的な工夫の両方が楽しめる作品だと思います。


めちゃくちゃに攻撃的なのに、ガラス細工のように微細に磨きぬかれた楽曲を聴いてみてください。



それでは。